ASESORÍA ESCÉNICA – ABRIL IMAGINARIO

Foto: Luz Soria

ASESORÍA ESCÉNICA 

Taller Semestral Teórico-Práctico

2022 – 2023

(3ª EDICIÓN)

ABRIL IMAGINARIO

(ACOMPAÑAMIENTO Y ESTRENO DE 6 PIEZAS ESCÉNICAS)

RESIDENCIA TÉCNICA – CONSTRUCCIÓN DE IMAGEN Y TEASER – PRODUCCIÓN – COMUNICACIÓN – DISTRIBUCIÓN – ASESORÍAS PERSONALIZADAS – VISIONADORES EXPERTOS – PROFESIONALES DEL SECTOR EN ACTIVO – CLASES PRESENCIALES – SEGUIMIENTO ONLINE – ENSAYOS FUERA DEL AULA – MUESTRAS ABIERTAS A PÚBLICO – FUNCIONES PROGRAMADAS EN LA SALA EL UMBRAL DE PRIMAVERA

_¿dónde?

 EL UMBRAL DE PRIMAVERA

Calle Primavera 11 (Madrid)

Metro: Lavapiés

* Espacio polivalente (posibilidad de colocar al espectador en diferentes posiciones) 

con dotación técnica (iluminación y sonido). Un/a técnico/a de la sala acompañará las sesiones prácticas de cada alumno/a.

_¿cuándo?

Octubre 2022 a Marzo 2023

MIÉRCOLES de 16:00h a 22:00h (6 horas por sesión) 

Comienza: Miércoles 05 de Octubre 2022

Termina: Miércoles 29 de Marzo 2023

25 sesiones / 150 horas

+ Funciones en Sala y Espacios No convencionales durante Abril de 2022

+ Tutorización personalizada online y presencial

+ Ensayos presenciales fuera de la Sala

_¿quién?

CARLOS TUÑÓN 

creador escénico, docente, asesor y director artístico de [los números imaginarios]

DOCENTES COLABORADORES (ASESORÍAS PERSONALIZADAS):

LUZ SORIA (IMAGEN Y VIDEO) ROSEL MURILLO (PRODUCCIÓN) ROCÍO SÁNCHEZ (TÉCNICA) AMANDA HC (COMUNICACIÓN) CATERINA MUÑOZ (DISTRIBUCIÓN)

+ VISIONADORES/as EXPERTOS/as DURANTE EL PROCESO DE MONTAJE

_¿para quién?

Interesados/as con formación y/o experiencia previa en cualquier rama de las artes escénicas, audiovisuales, plásticas, etc… El taller está diseñado para acoger y acompañar un proyecto de creación escénica que el alumno/a proponga al comienzo del taller y del que pueda asumir su desarrollo (producción, ensayos fuera del aula, etc…) hasta su estreno durante el mes de abril. Se acogerán un máximo de 6 proyectos cada curso.

_¿cuánto?

Cuota mensual: 210 euros / Matrícula: 50 euros

* Plazas limitadas a un mínimo de 4 y un máximo de 6 proyectos.

_¿cómo?

INSCRIPCIÓN HASTA EL VIERNES 30 DE SEPTIEMBRE DE 2022 A LAS 23:59H

MAYTE BARRERA     cursos@losnumerosimaginarios.com 

_¿qué?

“Trabaja con lo que tienes ahora mismo. Trabaja con la gente que te rodea “ahora mismo”´. Trabaja con la arquitectura que ves a tu alrededor “ahora mismo”. No esperes a tener lo que asumes que “es lo correcto”, no esperes a tener madurez o entendimiento o sabiduría; tampoco esperes hasta creer “estar seguro” de saber lo que haces, ni hasta tener la técnica suficiente. Lo que haces “ahora”, lo que haces de las circunstancias que te rodean, determinará la calidad y el alcance de tus iniciativas futuras.”

Anne Bogart

 

¿Cuántos estrenos puede acoger el off madrileño en una temporada? Y de estos,  ¿cuántos son compañías que han podido probar con público y técnica antes de estrenar? Antes de asumir toda la presión del mercado, antes de tener que demostrar cierta capacidad, o ganarse cierto derecho a estar, a tener un hueco.

Traigo esta reflexión porque de alguna manera todos participamos de la locura del mercado, de la precariedad sistémica, de alimentar un modelo teatral que financian y consumen nuestros amigos y familiares en una especie de crowdfunding en diferido, de darle nuestra ansiedad tanto al trabajo alimenticio como el que supuestamente nos hace felices, y tener la sensación de que es un bucle del que no sabemos salir y ni siquiera sabemos cuándo comenzamos a entrar; porque además nos han convencido de que el teatro es así, de que siempre ha sido así, y de que siempre será así.

Y quizás, y sólo quizás, el arte escénico no debería ser una industria cultural, o al menos no todo el arte escénico, el supuestamente contracultural y “alternativo”; un teatro alternativo que no genera alternativa, unos espacios “alternativos” que no ofrecen una alternativa real al mercado, ni siquiera un cuestionamiento sobre el mismo.

¿Y dónde estamos nosotros como parte del problema? ¿Cómo es posible que salgamos de una sala off criticando ferozmente a la compañía que acaba de intentar expresarse? ¿Cuántas veces ha podido abrir las puertas de su ensayo? ¿Cuánto ha podido ensayar? ¿Cuántas miradas cómplices? ¿Y críticas? Pero miradas críticas reales, aquellas que generan un movimiento hacia adelante, no hacia atrás, no una reducción, un “le falta ritmo”, “no se entiende”, “yo no lo haría así”.

¿Somos igual de críticos e inconformistas con los que tienen una supuesta experiencia demostrada, los que tienen cien mil euros de presupuesto, los que viven de esto? ¿Salimos igual de enfadados o aburridos de los centros dramáticos nacionales que de las salas alternativas? ¿Cómo es posible? ¿Cómo esperamos que haya más riesgo, más capacidad, más originalidad, si somos los primeros que no tenemos paciencia cuando vamos al off, los primeros en comparar esto con aquello, en no ponderar la complejidad y la precariedad sistémica cuando no nos afecta directamente?

¿Cómo va a ocurrir algo diferente si lo comparamos con el modelo de siempre y reproducimos lo que escuchamos en clase, de maestros que vivieron en otra época y con otras referencias? ¿Cómo vamos a ver otras posibilidades si no hay contextos reales para probar con impunidad, o un aparato crítico dispuesto a hacer crecer al resto, no a empequeñecerlo, no a compararlo, no a reducirlo? Siento pavor cuando escucho o veo a directores/as jóvenes comportarse como tiranos, humillar a sus equipos, exigir un compromiso desproporcionado, estar en el lugar común de “la obra está por encima”, “la obra es lo más importante”, etc… ¿Quién fue el primero en decirlo? ¿A quién le escuchamos por primera vez eso de “si no puedes contarlo en hora y media, entonces no lo cuentes”? Ya está bien de incorporar los modos de otros y de no poder quitar etiquetas absurdas, auto-impuestas y que nada tiene que ver con el “teatro”; ya está bien de la gente que habla en nombre del “teatro”.

Desde [los números imaginarios] sabemos de la importancia de tener un contexto y una estructura de confianza posible para que un creador/a escénico/a se desarrolle y pruebe, para que una compañía pueda materializar sus deseos, inquietudes e intuiciones. Nosotros comenzamos en la RESAD disponiendo de recursos públicos, y comenzamos nuestra andadura en la extinta Kubik Fabrik (ahora Exlímite), y gracias a todo esto pudimos probar con técnica, con tiempo, abrir la mirada, invitar a gente, ir entendiendo por dónde podíamos crecer.

Ahora, siendo residentes en El Umbral de Primavera, queremos ofrecemos como compañía este taller semestral para acompañar y asesorar seis proyectos escénicos, que tendrán a su disposición los recursos de una sala alternativa en el centro de Madrid y el calor de asesores, visionadores externos y de público real.

Pensamos en la importancia de generar un puente entre la utopía de la creación (donde haya impunidad, cuestionamiento, desbordamiento de límites, etc…) y la realidad del mercado, entre los deseos y las inquietudes legítimas de cada compañía y su traducción a lo posible, del germen de un sueño a la venta de una entrada. Y acompañar este tránsito, hacer dialogar lo intangible con lo inmediato y destensar y des-presionar.

Ser facilitadores en un entorno seguro, donde haya miradas cómplices y críticas, no complacientes pero tampoco destructoras, sino posibilitadores de contenido y de forma. Y hacerlo durante seis meses, observar con calma como quien siembra una semilla que florecerá en primavera, y qué mejor que en una sala que lleva este nombre y hacerlo en abril, en un “abril imaginario”.

De este deseo surge este taller y este ciclo “imaginado”, de entender la fragilidad y la tensión de un mercado duro y opaco, y querer reblandecerlo, hacerlo poroso, hacerlo posible, y aceptar que no todas las semillas crecerán igual, ni al mismo tiempo, ni brotarán todas de la misma manera, ni darán la misma cantidad de frutos, pero es que no se trata de eso. No buscamos al siguiente fenómeno de la temporada, ni siquiera que aquello que se preveía en octubre sea lo que eclosione en abril, no buscamos la certeza, ni la permanencia ni la epifanía. Lo que nos encantaría es que hubiera una conversación tranquila, donde realmente una compañía pueda hacerse preguntas y compartirlas con un otro, que esto sea el germen de años venideros de convivencia real, que la pieza no sea el objetivo, sino el proceso de ir juntos, y que al menos, mirando hacia atrás, haya un “qué bien poder crear desde aquí”.

Durante el curso asistirán profesionales del sector en activo a impartir sesiones específicas y realizar asesorías personalizadas a cada proyecto (construcción de imagen y vídeo, técnica, producción, comunicación y distribución) además de visionadores externos escogidos específicamente para cada proyecto.

Para garantizar un seguimiento personalizado, el cupo de proyectos es de un máximo de 6. Además de las sesiones intensivas, se sumarán tutorías individuales y asesorías en ensayos fuera del horario lectivo.

Carlos Tuñón [los números imaginarios]


PROGRAMA

  1. LA NATURALEZA DEL PROYECTO: en lugar de una exposición teórico académica, el primer contacto con el grupo y con la sala será compartir la naturaleza del proyecto escénico atendiendo al dispositivo ideal imaginado. Octubre.
  2. SISTEMAS: durante el mes de octubre, se irá abordando el proyecto atendiendo a los materiales (espacio, objetos, luz, sonido), luego con los cuerpos activando el dispositivo y finalmente escuchando los textos (si es que los tiene) leídos por narradores objetivos (para atender a las palabras como material). Octubre.
  3. ENSAYO ABIERTO DE “INICIO”: primera apertura del proceso al público real donde aparecerá el comienzo de la pieza (o varios comienzos), el pacto con el espectador, la atmósfera, las leyes del mundo. Se le preguntará al público cómo imaginan el desarrollo futuro de la pieza. Ensayo de “Inicio” abierto al público entre Diciembre y Enero.
  4. ENSAYO ABIERTO DE “FINAL”: segunda y última apertura del proceso al público real donde aparecerá el cierre de la pieza (o varios cierres), el mundo que dejamos, la obra como mapa. Se le preguntará al público cómo ha sido su viaje y qué mundo perciben que ha aparecido frente a ellos/as. Ensayo de “Final” abierto al público entre Febrero y Marzo.
  5. PRESENTACIÓN DEL CICLO Y ESTRENO: presentación en rueda de prensa del ciclo de seis proyectos y de las funciones programadas durante abril en la Sala El Umbral de Primavera (previo acuerdo de reparto de taquilla al 50%). Estreno y funciones del Proyecto durante Abril.

METODOLOGÍA

    • Cada participante traerá al taller un proyecto para ser asesorado de octubre a marzo y poder realizar representaciones en la sala El Umbral de Primavera durante el mes de abril.
    • Cada alumno/a debe configurar un equipo de trabajo para el desarrollo de su proyecto escénico, disponiendo de un espacio de ensayo estable aparte de la Sala de El Umbral de Primavera.
    • Cada equipo de trabajo se compromete a poder realizar los 2 ensayos abiertos al público en la sala El Umbral de Primavera entre noviembre y marzo. La elección de los días de apertura se decidirá de manera consensuada entre el grupo formado a comienzos del curso.
    • Se realizarán tutorías personales y al menos 2 visitas a ensayos fuera del horario lectivo para guiar el proceso de trabajo de cada alumno/a. El seguimiento on-line será continuo durante el curso.
    • Análisis y reflexión grupal de cada ejercicio propuesto en clase con muestras abiertas al público. Los espectadores responderán a un breve cuestionario después de cada ensayo abierto.
    • Habrá sesiones con docentes colaboradores, todos profesionales en activo, que asesorarán al alumno/a en sus prácticas desde su campo específico (construcción de imagen, vídeo, producción, comunicación y distribución).
    • Cada creador/a contará en sus 2 ensayos abiertos (sesión de 6 horas) con:
  1. La sala El Umbral de Primavera con su equipamiento técnico.
  2. 1 técnico a su disposición para asesorar y acompañar.
  3. 1 técnico de grabación de vídeo para registrar el ensayo, lo que servirá como material de visionado posterior.
  4. 1 visionador externo elegido específicamente para su proyecto (será un/ asesor/a diferente en cada ensayo abierto).

BIBLIOGRAFÍA (Se entregará a cada alumno/a al comienzo del taller)

  1. “Orientaciones en el desierto” de Eusebio Calonge.
  2. “Teoría y práctica de lo incierto” de Eusebio Calonge.

INSCRIPCIÓN

Los interesados/as deberán enviar por e-mail un PRE-DOSIER con al menos los siguientes apartados claros:

  • Sinopsis corta del proyecto a estrenar, una primera tentativa de qué es este mundo, cuál es la idea motor, qué expectativas hay, etc…
  • Una imagen representativa del proyecto, puede ser generada o no por el creador/a.
  • Equipo de trabajo comprometido con el proyecto hasta abril (el equipo debe tener disponibilidad de al menos 1 miércoles por la tarde entre diciembre y enero; y 1 miércoles por la tarde entre febrero y marzo para los ensayos abiertos al público). Es importante que estén cubiertos los puestos fundamentales para el proceso y que haya compromiso de sostenerlo a priori durante los seis meses:
      1. 1 ayudante con tiempo y disponibilidad, idealmente que ya tenga un vínculo previo con el creador/a.
      2. Al menos 1 responsable de plástica (espacio, luz, sonido, vestuario, etc…).
      3. Al menos 1 responsable para la técnica (que puede ser la misma persona de plástica).
      4. Intérpretes (si los hubiera).
      5. Se recomienda contactar aparte con otra persona para producción, comunicación y distribución.
  • Calendario de trabajo previsto de Octubre a Abril (lugar y horario estable de ensayos, al menos 1 día a la semana aparte de los miércoles por la tarde, idealmente entre jueves y lunes).
  • Link a 1 vídeo de máximo 10 min. de duración explicando la naturaleza del proyecto. Puede ser desde una exposición más convencional a un montaje de vídeo más asociativo, pero tiene que quedar claro el espíritu de la pieza (es importante que el vídeo esté subido a un servidor para su visionado, no se descargarán archivos).

Aparte, el/la interesado/a puede aportar el material que considere oportuno para comunicar la naturaleza del proyecto.

Se realizará una entrevista personal dependiendo de cada caso.

BIOGRAFÍA RESUMIDA DE CARLOS TUÑÓN

Carlos Tuñón (Sevilla, 1985) es creador escénico, docente y asesor; está formado en el sector audiovisual, teatral y literario entre Sevilla y Madrid. Fundó la compañía escénica [los números imaginarios] en 2013, especializada en creación colectiva y teatro inmersivo a partir del repertorio clásico en procesos y piezas donde el tiempo es un factor esencial. Compañía residente en el Umbral de Primavera de Madrid desde 2016, asociada al Festival Clásicos en Alcalá de 2017 a 2019, al Teatro de La Abadía de 2019 a 2021 y al Corral de Comedias de Alcalá de Henares de 2021 a 2022.

Para su compañía ha dirigido desde 2013 montajes que han estado presentes en teatros y festivales nacionales e internacionales  como el Festival de Otoño, Fira Tárrega, Teatro de La Abadía, Teatros del Canal, Festival de Almagro, Olmedo, FIOT Carballo, Teatro Gayarre, Palacio Valdés de Avilés, etc…

Ha dirigido montajes para otras compañías en Teatro Pavón Kamikaze, Teatro del Barrio, Teatro Fernán Gómez y Matadero Madrid. Es asesor de dirección y dramaturgia de creadoras como Roma Calderón, Patricia Ruz, Livianas Provincianas y acompaña procesos de creación emergente desde 2016 en espacios como Centro Cultural Conde Duque, Teatro Pavón Kamikaze, Estudio Juan Codina y El Umbral de Primavera.

Como docente imparte talleres anuales e intensivos de dirección escénica, investigación para intérpretes profesionales, dramaturgia contemporánea, teatro inmersivo y otros formatos escénicos en espacios como el Teatro de La Abadía, el Teatro Pavón Teatro Kamikaze, AISGE Sevilla, Aula de Dirección Escénica de Granada, Taiwán, Estudio Juan Codina, el Umbral de Primavera, La Incubadora del Corral de Comedias de Alcalá de Henares (2022) y en el Máster de Creación Teatral de la Universidad Carlos III.

Perteneció a la Comisión Artística del Corral de Comedias de Alcalá de Henares en la temporada 2021-2022 junto a Manuel Bonillo y a Iara Solano, con la que coordinó las VII Jornadas Escénicas de INJUVE en 2021.

Diseña y coordina el proyecto cultural 21 acciones para el siglo XXI que reunió a 21 jóvenes de edades entre 18 y 23 años para realizar acciones artísticas en el Festival Sub25 organizado por “21 Distritos” en julio de 2022, una cápsula de tiempo que será abierta en 2042 y 2062.

 

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