Laboratorio de Dirección y Creación desde el cuerpo expresivo
Por Sergio Boris. Buenos Aires – Argentina
intensivo
modalidad virtual (zoom)
Dirigido a actores y actrices, directoras y directores, dramaturgos y dramaturgas que tengan experiencia en actuación. Plazas limitadas.
Seis encuentros con opción a continuar con previa envío de trayectoria
lunes 8, 15 y 22 y jueves 11, 18 y 25 de febrero, de 19:00 a 22:00 hrs.
lunes 8, 15 y 22 y jueves 11, 18 y 25 de marzo, de 19:00 a 22:00 hrs.
NUEVAS FECHAS: INTENSIVO ABRIL
lunes 12, 19 y 26 y jueves 15, 22 y 29 de abril, de 19:00 a 22:00 hrs.
precio: 100€
Información y envío de trayectoria: carolina.andreok@gmail.com
Inscripción: elumbraldeprimavera@gmail.com
El director y el actor, desde sus diferentes lugares, como generadores de lenguaje.
El lenguaje como construcción inacabada y permanente del relato expresivo.
La creación desde el hecho escénico, desde el cruce accidental de lo actoral con la dirección.
Un teatro que se construya desde adentro de su propia potencia, que no sea dominado por las ideas ni por la literatura.
Un teatro que no explique, que sea.
Contenidos generales:
La dirección como dramaturgia del relato teatral. El relato teatral como potencia situacional en un espacio atravesado por el tiempo enloquecido de los cuerpos actorales en su vinculación. Pensar desde adentro y desde afuera de la escena. Estimular la visión doble del hecho escénico: la dirección y la actuación, que mutuamente se necesitan para imaginar lo que solos no hubieran alcanzado a imaginar nunca.
Experimentar la creación de universos que nos posibiliten su propio descubrimiento.
Noción de que todo el relato necesita ser histriónico. Histriónico el espacio, el tiempo y la actuación. Lo histriónico como el juego de tensión entre lo lateral, lo que conduce a la necesaria minorización del relato y la centralidad, que nos conduce a lo importante, a lo mayor, que necesita avanzar hacia adelante. Lo histriónico como el elemento que al entrar en funcionamiento nos permite ver el relato ampliado, total, el de las formas expresivas en su devenir múltiple, que utiliza al cuento como excusa, agujereándolo.
Se trabajará el estado de accidente como condición para que la actuación genere trazo. Más que buscar, se trata de encontrar. La improvisación como rodeo.
La atmósfera como lo único transmisible.
Lo que se dice como materialidad sonora.
El gesto como metafísica del pensamiento.
La plasticidad como la cualidad pictórica-musical del signo.
La condición de que todo debe especificarse bajo la campana de la situación. La situación como máquina imaginaria de creación de situaciones infinitas.
Existir sin enunciar ni explicar. Existir en el tiempo a través del estar.
Texto roto, texto como fuerza física, texto inacabado, para que el cuerpo actoral desarrolle lo faltante en su misterio expresivo. Métrica actoral y no literaria.
Estiramientos, condensación y aparición inesperada del signo para construir desde un tiempo no psicologista. La acción llevada al extremo velada por las capas de la digresión.
Se pensará el espacio desde un lugar dramático y no descriptivo. El espacio como signo dramático que fuerza y estimula a la actuación y en definitiva, la construye.
Contenidos a partir de la nueva realidad pandémica y virtual:
Haciéndonos cargo de la experiencia audiovisual que significa el zoom, donde aparece la mezcla entre lo teatral, cuya esencia es la deriva y el cine, cuya esencia es la imagen, se desarrollarán los siguientes puntos:
Trabajaremos sobre la ficción del contacto. El contacto con el otro más allá de ser o no real se necesita que sea ficcionado para generar vínculo. Para escaparnos de la literalidad actoral sobre el uso del formato virtual que sólo nos empujará a narrar el límite, investigaremos sobre el contacto no realista, es decir, las formas expresivas del contacto que por su potencia nos puedan hacer olvidar los límites del recuadro online.
Investigación sobre la creación de la propia puesta en escena. El trabajo con la luz , lo que se deja ver y cómo y lo que permanece oculto. El fragmento de un segmento del cuerpo. Ser sólo una parte de mí potenciando mi visualidad específica, viendo mis partes olvidadas, volviéndome monstruoso.
Trabajaremos la conexión oblicua con la pantalla, que permite cierto grado de creencia generando, a su vez, fugas y apoyos en la puesta en escena, para no depender de la propia imagen reflejada. Estar en la escena desde afuera y desde adentro del encuadre. El verse a sí mismo como estímulo de existencia y lograr ver al otro para alimentarse sintiendo el costo y la dificultad, para alimentar y alimentarse.
Se trabajará la disociación para salir de la generalidad y volvernos específicos. Disociar cuerpo y sonido, disociar actuar y dirigir.
Combinación de las puestas de los distintos encuadres. El espacio como un sueño caótico y cubista.
Modalidad virtual:
Se realizarán ejercicios e improvisaciones en vivo para afirmar la acumulación dramática a través del vínculo actoral.
Se grabaran escenas por fuera de la clase para poder verlas, pensarlas juntos y hacerlas en vivo. Trabajaremos la creación de mundos escénicos que puedan desarrollarse.
Películas de apoyo para trabajar sobre ciertas tradiciones actorales cinematográficas: “ El matrimonio de María Braun” y “La angustia corroe el alma” de Fassbinder. “El dependiente” y “Soñar soñar” de Favio. “Él” de Luis Buñuel.
Textos teóricos: “El teatro de la crueldad y el cierre de la representación” de Jacques Derrida. “El teatro infracción” de Georges Charbonnier. Textos de Vajtángov: “Teoría y práctica teatral”. Entrevista de David Sylvester a Francis Bacon.
Sergio Boris
Actor, director, dramaturgo y docente.
Artaud actualmente en su sexta temporada. Participó en el FIBA 2019, en el CDN Aubervilliers de París y Festival de Otoño de Madrid y en mayo del 2021 participará en el Festival Iberoamericano de Porto (FITEI).
El Syndrome, producida por la École Supérieure de Théâtre Bordeaux Aquitaine y presentada en el Festival de Avignon (2015).
Viejo, solo y puto (2011) siete temporadas en Buenos Aires en los teatros Callejón, Beckett y Timbre4. Primer premio GETEA Mejor Dirección (2013). Participó de festivales y temporadas en FIBA, Montpellier, Bordeaux, Lille, Kunstenfestival de Bruselas, Festival Kauze de Rotterdam, Temporada alta Girona, Teatro Garonne de Toulouse, Theatre La Commune de Aubervillers de París, Festival Cena Río de Janeiro, Teatro Solís de Montevideo, Teatro Central de Sevilla, Scene Nationale du Pays de Montbeliard, CDN de Madrid, Teatro María Matos y Teatro Rivolí, Portugal y Festival de Artes Escénicas, Lima .
El perpetuo socorro y El cadáver de un recuerdo enterrado vivo, (2008,2010) creadas con producción del IUNA
El sabor de la derrota, en el Teatro Gral. San Martín (2004), FIBA y Espacio Callejón (2005).
La Bohemia, (2001). Primer premio del Concurso Nacional de Dramaturgia Fondo Nacional de las Artes 1998 , Premio estímulo a la calidad artística Instituto Nacional de Teatro, Premio Revelación Trinidad Guevara a la Dirección. Primer Premio Teatro del Mundo 2001/2002 a la Dirección y a la Dramaturgia, 3 años de funciones en Buenos Aires. FIBA (2003), Festival de Manta, Guayaquil, Quito, Curitiba, Londrina, San Martin de los Andes.
Como actor en teatro: El pecado que no se puede nombrar y La pesca, Dir: Bartís. Un enemigo del pueblo, Dir: Renán, Teatro Gral. San Martín, En lo alto para siempre, Dir: Fabbri y Pérez Tomas, Teatro Cervantes, entre otras.
Como actor en cine en Diablo de Loretti, Lumpen de Zembrowski, Mientras tanto de Lerman, Todos tenemos un plan de Pitterbarg, Whisky Romeo Zulú de Piñeiro, El abrazo partido de Burman, entre otras.
Como docente: Talleres anuales y seminarios intensivos en la Argentina y en el exterior: Festival Río de Janeiro, Centro Dramático Nacional de Madrid, Teatro Fronterizo y Umbral de Primavera en Madrid, Teatro Rivoli de la ciudad de Porto, Transdrama en la ciudad de Méjico, Festival Internacional de Artes Escénicas en Montevideo (FIDAE), Theatre La Commune de Aubervilliers de París, Teatro La Abadía, Madrid.