Taller de Cleptomanía Dramatúrgica
Historias y contemporaneidad
Compañía NIGREDO
DICIEMBRE 2019
Jueves 12 y viernes 13 de diciembre de 11 hs a 14,30hs
SESIONES DE ESCRITURA CLEPTÓMANA
Sábado 14 y Domingo 15 de diciembre de 11hs a 15hs
ENSAYO DE LAS LECTURAS CON ACTORES INVITADOS. LOS AUTORES PARTICIPAN EN EL PROCESO
Precio: 95€ (Máximo 10 plazas)
Información e inscripción: alberttola@gmail.com
Taller para dramaturgas, dramaturgos y otros cómplices de la escena con ganas de escribir
“En el teatro, los planteamientos, cuánto más locos, mejor funcionan.”
Roland Schimmelpfennig
Sinopsis del taller
No solo nos gusta atravesar las geografías físicas y espaciales, también las geografías internas, los lugares de confort donde se atrinchera el autor en la soledad de su escritorio, reconocer otros territorios hasta dejar atrás los mapas, adentrándonos en un espacio sin ley. Por ello, Los Talleres de Dramaturgia Contaminante buscarán la contaminación de unas geografías internas con otras con una única norma: el robo deliberado de los personajes del otro, de los diálogos del otro, de las situaciones del otro, con el fin de entrar en contacto a través de la escritura de un pequeño, quizás breve, inconsciente colectivo en común. Estos talleres constituyen un encuentro (lúdico, pero esperemos que a su vez hondo) de autores por escrito, un modo de abrir ventanas internas y de contaminarse los unos de los otros, en el que buscaremos que el juicio y el análisis sean, en esta ocasión, lo que se quede en el cajón. Como los dramaturgos y dramaturgas de todos los tiempos, empezaremos por robar un mito de la cultura occidental, generando un paisaje temático y asociativo a partir del cual escribir colectivamente. Siguiendo la dinámica de trabajo de nuestra compañía Nigredo, Rodrigo García Olza participará en el taller como dramaturgista y editor textual, y, como director escénico, conducirá el penúltimo día una sesión de lecturas dramatizadas por actores de las escenas escritas. Posteriormente a dichas lecturas, el curso se cerrará con una sesión de comentarios y de reflexión.
Breve historia de una metodología
Estrictamente con el fin de explicarme, permítanme que les cuente que entré en el mundo de la dramaturgia a los dieciocho años, hace veinte, cuando ingresé a estudiar la carrera de dicho nombre en el Institut del Teatre. En paralelo a la carrera, me formé con José Sanchís Sinisterra en sus famosos talleres de la Sala Beckett. Luego, estudié Escritura Dramática en la prestigiosa Escuela de Verano de San Miniato (Toscana) y, finalmente, en la Universidad de las Artes (Berlin). Siento confesar que creo que difícilmente se puede tener un recorrido más académico como dramaturgo. Y, sin embargo, cuando acabé este periplo, era incapaz de escribir teatro. Nada más acabar la carrera, el jefe de estudios del C.E.C.C. (Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya) me propuso impartir clases teóricas de guión de cine, trabajo que realicé durante cinco años hasta alcanzar el puesto como jefe de la sección de guión. Sin embargo, intoxicado de teoría, seguía sin escribir a penas. El profesor estaba acabando con el escritor.
Por fortuna, tres experiencias pedagógicas cambiaron mi visión de cómo enseñar a escribir teatro y de cómo encarar la escritura: trabajé como asistente del dramaturgo Abilio Estévez y como asistente y traductor simultáneo de los dramaturgos alemanes Theresia Walser y Roland Schimmelpfennig en cuatro talleres de escritura. Después de esta experiencia, dejé mi trabajo como profesor académico y me volqué en una forma de pedagogía de carácter práctico, mucho más intuitiva, y, en paralelo, logré desbloquearme creativamente, y empecé a escribir todo lo que había retenido durante los años anteriores.
A partir de aquel momento, comencé a impartir talleres de escritura desde una óptica completamente distinta, me probé en ejercicios de escritura conducida con alumnos de institutos en el proyecto de teatro danza intergeneracional PI(E)CE junto a Constanza Brncic y a Julio Álvarez, y, en coachings de escritura individual tuve la ocasión con algunos alumnos de remendar errores pedagógicos cometidos durante mis años como profesor académico. A partir de entonces, los talleres formaron parte de mi propia investigación literaria y teatral como autor, y viceversa. Experiencias de creación colectiva entre muchos autores como el espectáculo llevado a cabo entre Teatro del Astillero y Teatre Tantarantana, Mein Kapital, o el intercambio de autores colombianos y catalanes, promovido por La Maldita Vanidad y Teatre Tantarantana, me permitieron corroborar mis intuiciones acerca de la escritura colectiva como disparador de la voz personal.
¿Qué ocurrió en el contacto con la metodología de trabajo de estos tres grandes autores con los que tuve el lujo de colaborar? Aprendí varias claves básicas del proceso de escritura que me permitieron desenmascarar malentendidos, sobre los que se construyen enteros planes de estudio alrededor de la escritura dramática. Algunas de estas claves, elaboradas y combinadas de manera propia a través de mi propia visión pedagógica y de mi estilo como autor, constituyen los conceptos básicos de los Talleres Cleptomanía Dramatúrgica. Sin embargo, ninguna experiencia pedagógica iguala el aprendizaje que significa ser puesto en escena por un equipo cómplice y crítico. El encuentro con Rodrigo García Olza y nuestro intercambio creativo ha fecundado y dirigido la escritura de los textos, constantemente modificada por su propia puesta en escena. En el taller buscaremos que las autoras y los autores atraviesen nuestro modo de trabajar, en la que en este caso el autor goza de la ayuda de un cómplice dramatúrgista en una fase del proyecto, y responsable de su materialización una vez la pieza ha sido escrita.
Albert Tola
Mi curiosidad por el ser humano, los modos de relatar(me) y de mirar(me) me llevaron a comenzar mi formación como actor y escenógrafo en Madrid, en centros como la RESAD, Bululú 2120 o First Team y en Barcelona después, en escuelas como La Casona. También en Madrid, mi interés por los símbolos, la estética y la ética, la cultura visual, la música, el cine y las artes escénicas me habían llevado a licenciarme en Historia del Arte (UCM) y en Artes de la Imagen Fotográfica (TAI). A lo largo de mi formación dejan en mí una profunda huella desde las aulas distintas personalidades como Fernando Grifell, Ángel Martínez Roger, Alicia Blas, Yolanda Pallín, Marta González Andón, Constanza Brncic, Sigfrid Monleón, Vicente Aranda o Alberto Conejero entre otras. Es con el foco puesto en el lenguaje, las imágenes y el mundo simbólico que trabajamos con Albert Tola en nuestra compañía, Nigredo, desde la concepción y desarrollo de ideas a través de distintas lecturas dramatizadas, relecturas y puestas en escena hasta el estreno y publicación de las piezas. Recuperamos en una parte del proceso de este modo algo de escritura a pie de escenario donde se consolidan, solucionan, guían o terminan de definirse ideas escritas sobre el papel. Es el punto de vista del actor, del dramaturgista o del director y algunas de sus necesidades lo que arrojan una nueva luz a la escritura que es, entonces, susceptible de ser modificada aproximándonos más a la esencia de la misma.
Rodrigo García Olza
Nos rigen los siguientes conceptos básicos:
- La teoría no puede ir a priori sino a posteriori de la práctica.
De este modo, el alumno se coloca en una situación de escucha y no de juicio.
El actor se sorprende y sorprende al alumno durante la búsqueda del ensayo.
- La búsqueda de la conexión íntima entre palabra y autor.
La búsqueda de esta conexión como forma de escucha genera una escritura en lo posible más allá de lo mental, en la que forma y contenido se revelan uno en plenitud de tensión. La intimidad con la palabra genera el tono acertado.
El alumno adquiere nuevas apreciaciones sobre su texto al escucharlo voz alta en una suerte de fértil proceso de ensayo-error entre ritmos, sonoridades, significados y sentidos
- Se puede escribir con todo menos sin tensión.
Sin embargo, hay muchos modos de concebir esa tensión fuera del ámbito del conflicto situacional.
Los distintos modos de llevar esta tensión al escenario nos dan claves que retroalimentan el modo en el que lo hacemos sobre el papel.
- La forma de aprendizaje menos dañina es por ósmosis.
Por ello, contaminarnos en ejercicios de escritura colectiva del mundo de los otros, permite desarrollar la propia voz por contagio y comparación. El desarrollo de una voz colectiva contribuye al desarrollo de una voz propia. La traducción de voces literarias como amplificación de la propia voz.
De este modo, dejarnos contaminar por lo que ocurre en escena, puede acercarnos más a la voz propia. La traducción de voces escénicas como amplificación de la propia voz literaria.
- Escribir sin juicio.
No es necesario el análisis posterior a la lectura de un ejercicio. Puede resultar mucho más constructivo conducir a los alumnos a través de ejercicios de escritura conducida hacia lugares interiores donde reconozcan una mirada más teatral, un modo más eficaz de pensar lo dramático desde la práctica.
Este modo más eficaz de pensar lo dramático desde la práctica será tendrá la oportunidad posteriormente de ser probado en escena.
Albert Tola (Girona, 1980) es dramaturgo, poeta, traductor y profesor de escritura para teatro y cine. Licenciado en Dramaturgia por el Institut del Teatre, como autor teatral ha publicado (Ediciones de Teatro del Astillero, Edicions de la Diputació de Barcelona) y ha estrenado o está en proceso de estrenar en Barcelona y Madrid, Chile, México, Turquía, Grecia, Alemania y Colombia algunas de las obras que ha escrito: Salento, El último secreto de James Dean, Niño fósil, Las malas noches de Amir Shrinyan, Mala nit, Los niños oscuros de Morelia, Vino lunar, La lenta pesquisa, Sarab. Algunas de sus piezas han sido traducidas al francés, al alemán, al griego y al turco. Como adaptador y dramaturgista destacan sus trabajos sobre Antón Chéjov, Maxim Gorki, Heinrich von Kleist, Ingeborg Bachmann, Roland Schimmelpfennig, entre otros, así como su labor social con el proyecto de teatro-danza intergeneracional junto a Constanza Brncic y a Julio Álvarez, el Proyecto PI(E)CE, que lleva siete años de trabajo consecutivo. Como traductor de alemán, francés e italiano ha traducido para el teatro a autores como Heiner Müller, Marguerite Duras, Reiner Werner Fassbinder, Heinrich von Kleist, Deah Lohar, Falk Richter, Oliver Kluck, Friedrich Dürrenmatt, Manfred Karge, entre otros. Inicia su labor pedagógica en la escuela de cine C.E.C.C. (Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya) en 2007. Como profesor de escritura, traductor consecutivo para el Goethe Institut y docente colaborador ha impartido talleres en la Sala Beckett de Barcelona, Naves del Matadero, Nuevo Teatro Fronterizo, Fundación Sgae, Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (C.E.C.C), Escuela de cine Bande à Part, La Maldita Vanidad de Bogotá y, próximamente, en el Aula de Dramaturgia del Festival de Teatro Español de Atenas. Ha estrenado en teatros como el Teatro Nacional de Catalunya, el Teatro Lliure, el Teatre Tantarantana, el Teatro Akademia, la Sala Beckett, o Naves del Matadero, entre otros espacios. En 2017 La Maldita Vanidad recibió el Premio Jorge Eliecer Gaitán, uno de los más prestigiosos galardones teatrales de Colombia, para la puesta en escena de su obra Los niños oscuros de Morelia, bajo la dirección de Daniel Díaza. Como poeta ha realizado su debut en el marco del Barcelona Festival de Poesia 2018. En 2012 funda junto al actor y director Rodrigo García Olza la compañía NIGREDO, para quién ha escrito, con quién concibe, y con quién ha estrenado en España todos sus textos desde esa fecha.
Rodrigo García Olza. Como actor ha trabajado con directoras como Elena Fortuny, Roland Schimmelpfennig, Eva Hibernia, Mª Elena Mexía, José Manuel Pardo, Alfredo Alonso, Albert Tola, Montserrat Móstoles, Gerardo Gentile de la Torre o Lorena Rocchi, protagonizando sus piezas teatrales LOS NIÑOS OSCUROS DE MORELIA de Albert Tola (Teatre Tantarantana, Barcelona, Teatro Lagrada y El Umbral de Primavera, Madrid, y Festival Matarranya Íntim,Teruel), LA ODISEA de Roland Schimmelpfennig (Nave 10, Naves Matadero, Madrid), INFORME TITÁN de Eva Hibernia (El Umbral de Primavera, Madrid), NIÑO FÓSIL de Albert Tola (Teatro Lagrada, La Mínima Espacio Escénico y Teatro Labruc, Madrid), RÓMULO EL MAGNÍFICO de Pedro Muñoz y Luisant Rodriguez (Teatro Quevedo, Madrid), PABLO NERUDA VIENE VOLANDO de Jorge Díaz y ANTES DE ENTRAR DEJEN SALIR de Oscar Viale (Casa Amèrica Catalunya), NIÑO FÓSI, de Albert Tola (Atic 22, Teatre Tantarantana, Barcelona), COCINANDO CON ELISA de Lucía Laragione (Teatre Modern, Barcelona), CERCANOS de Patrick Marber (Teatre Cincomonos, Barcelona), LORCA EMBRUJADO, FEDERICO Y SIN SOMBRERO de Lorena Rocchi (Théâtre des Mises en Scène, Bretaña, Francia).También con Patrick Chiuzzi, Lucas Parnes y Jesús Serna, Pablo A. Zareceansky, Eusebio Pastrana o Santiago Lapeira protagonizando sus largometrajes POST MORTEM, LO QUE QUEDA (Mejor Largometraje de Ficción, 5º FELACOS, Santiago, Chile; Mejor Largometraje, 5º DEA Film Festival, Saranda, Albania y Mejor Guión y nominación como Mejor Actor,1º FestCine Pedra Azul, Domingos Martins,Brasil), INTERFERÈNCIES (Premio Especial del Jurado, 9º Cimameriche Film Festival); INERTES (Mejor Director Español, Mejor Obra Española y Mejor Actriz LesGaiCineMad); y LA FIESTA DE ADÁN. Como director de escena ha estrenado piezas como VINO LUNAR de Albert Tola (Teatro Nueve Norte y El Umbral de Primavera, Madrid, Teatre el Magatzem, Tarragona y Àtic22, Teatre Tantarantana, Bacelona) o EL BENEFICIO DE LA MARIPOSA, adaptación de EL MALEFICIO DE LA MARIPOSA de Federico García Lorca (Fundación 26 de diciembre, Festival de Teatro Social Con-Vivencias en La Mínima Espacio Escénico, Madrid, y mención especial en el VI certamen de Teatro Mayores a Escena del Ayuntamiento de Madrid en el CC Fernando Lázaro Carreter). Como docente y director de escena ha colaborado con la escuela Devoradores de Madrid, en cuyos talleres ha estrenado EN LA LUNA, de Alfredo Sanzol (Espacio Devoradores, Madrid), SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO, de William Shakespeare (La Mínima Espacio escénico, Madrid), LA PAZ PERPETUA de Juan Mayorga (Teatro Nueve Norte, Madrid) o FUSO NEGRO de Eva Hibernia (La Mínima Espacio Escénico, Madrid).Durante dos años colaboró como actor, director de escena y docente con MENUDO CUADRO, la compañía teatral de la Fundación 26 de diciembre de Madrid. En 2012 funda junto al dramaturgo Albert Tola la compañía de teatro NIGREDO. Actualmente forma parte del Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional.