CALENDARIO DE EVENTOS

Una producción de Mireia Salazar y Calatea

FUNCIONES: Jueves 16, 23 y 30 de septiembre – 20:30 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

¿Quiso tu madre ser madre?¿Qué cosas nunca te atreviste a decirle a tu abuela?¿Sabes por quién suspiraba a escondidas tu bisabuela?
Ancestras representa una búsqueda; preguntas que a veces no pueden o no quieren tener respuesta. Una invocación a los secretos, los silencios, la locura, la ternura… Un deseo de rescatar la historia de una genealogía latente, de nombrar y visibilizar a las que estuvieron y siguen estando en las sombras. Una oportunidad para el reencuentro.

Actrices: Fátima Cué; Eli Zapata y Esperanza García-Maroto
Escenografía: Valeria Fieschi
Diseño sonoro: Raquel Martínez
Iluminación: Jaione Azkona
Poemas de: Marta Mar
Dirección: Mireia Salazar Campoy
Ayudante de dirección: Paula Cueto
Coproducción: Calatea

Mireia Salazar Campoy, Barcelona 1981
Creadora, educadora y artista escénica. Se forma en Teatro e Intervencion Social y Teatro del Oprimido en la Escuela Forn de Teatre Pa’Tothom, de Barcelona (2007-09), de la mano de Jordi Forcadas. Recibe formación de Teatro Comunitario con Adhemar Bianchi y Monica Lacoste del Grupo Catalinas Sur de Buenos Aires .
Fundadora de la asociación y compañía teatral El Xiringuito, Teatre i Comunitat (2009) con la que desarrolla diferentes proyectos artísticos, talleres y formaciones y es cocreadora de obras como «Un conte submergit» (2011), Quan les flors volaren (2012) y Trencant el silenci (2013).
En el año 2014 se traslada a Madrid y desde entonces recibe diferentes formaciones en interpretación, dramaturgia, danza-teatro y dirección escénica con profesionales como Marta Calvó, Pilar Gómez, la compañía Residui Teatro, Jose Sanchis-Sinisterra, Marcelo Díaz, Julia Varley, Lucía Miranda y Carlos Tuñón.
Desde el 2015 dirige el grupo de teatro “Las Teatrekas” formado por 18 mujeres del barrio de Vallecas de entre 45 y 75 anos con las que ya ha estrenado dos obras de creación colectiva, «Entre Vecinas» (2016) y «De barro, flores y lucha» (2018).

Cía. Clamor

FUNCIONES: Viernes de Octubre – 19:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipada Entradium, 15€ taquilla en efectivo. 12€ grupos (a partir de seis) y estudiantes Carnet Joven, escribiendo al correo elumbraldeprimavera@gmail.com

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Strindberg escribió esta obra hace más de 100 años para hablar de un tema eterno como es la maternidad. En esta obra él planteaba los efectos de la mentira y la manipulación materna y cómo estos pueden afectar en los hijos. Así, quedaron concentradas en esta pieza las dos obsesiones del autor: su relación con su madre y el conflicto con lo femenino. Es curioso que ya Strindberg, en su momento, mostrara la realidad de una madre soltera.

Nuestra propuesta parte de dos puntos fundamentales: la maternidad y el conocimiento del entorno familiar. Para ello, la versión sucede en la contemporaneidad, rebajando su tono melodramático, y dando espacio, a través de distintas disertaciones, a las cuestiones y planteamientos de las cuatro mujeres no-madres y protagonistas de este trabajo. Mezclando las tres caras que puede tener una mujer: Mujer-madre, con toda la carga de la manipulación a través de la culpa hasta anular a los hijos; la mujer-amiga que siempre está compitiendo con otras mujeres; y finalmente, la mujer-víctima que es una proyección de su propia alma. Pero, ¿dónde queda la mujer a secas?

Frente al ambiente materno claustrofóbico que nos plantea la obra, respondemos con la realidad de la elección a la no maternidad y el derecho a elegir cómo enfrentarnos a la vida y al futuro.

Elenco: Alba Maquieira, Alejandra Valles, Pilar Vega Monge y Teresa Sojo.

Autoría: Strindberg, con adaptación de Julen G.

Dirección: Julen G.

Ayudante de dirección: Javier López

Escenografía y vestuario: Guiomar de León

Producción: Alejandra Valles y Alba Maquieira

Diseño gráfico: Alex Sasia

Fotografía: Jesús Campo

La compañía Clamor nace oficialmente en 2021 tras un largo proceso de investigación y creación colectiva surgida a raíz de las jornadas de creación multidisciplinar del Festival de Otoño de 2019.

“Clamor, conjunto de voces y gritos proferidos con vehemencia por una multitud, en especial para quejarse de algo, pedir algo o aclamar a alguien.”

Así es como nosotras entendemos el teatro y lo que tratamos de reflejar en nuestros montajes a través de temas como la maternidad, la infancia, los roles de poder y las dinámicas relacionales.

Con un carácter reflexivo y visceral pretendemos no sólo entretener sino abrir caminos a través de la fundación de un espacio de libertad que dé paso a la confusión y contradicción, valorando los distintos puntos de vista y sembrando el debate interno y colectivo en el espectador.

FUNCIONES: Viernes 10, 17 y 24 de Septiembre y 1 de Octubre – 21:30 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14 € anticipada Entradium, 15 € taquilla en efectivo. 12 € grupos (a partir de seis) y estudiantes Carnet Joven, escribiendo al correo elumbraldeprimavera@gmail.com

-Encuentro con el autor tras la función del 1 de octubre, dentro de La Noche de los Libros 2021-

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

La obra sitúa la acción en el momento en el que un ex terrorista, que acaba de cumplir condena, vuelve a la vida (la que un día sembró de horror) y se enfrenta a las preguntas de un redactor gráfico que ha tenido que preparar a fondo esta conversación directa, exenta de sentimiento y complicidad. Dicha entrevista será la antesala del encuentro más complicado: el del asesino con la familia de sus víctimas.
Una historia que habla de entender y de entenderse, de perdón y de perdonarse; una historia que ocurre en algún lugar sin identificar de la Tierra, porque no hay nada más universal que esas dos emociones: el amor y el dolor.

Elenco: Nacho Hevia, Lucía Esteso y Jorge Cabrera.
Autor: José Pascual Abellán.
Directora: Zara Sobral.

La compañía nace en 2017 para la creación del espectáculo “Ni con tres vidas que tuviera”
Los intérpretes han trabajado en otras obras del autor como es el caso de Lucía Esteso (“Locas”, “Las cosas que faltan”) y Nacho Hevia (“Cositas”, “Nice to meet you”, “¿Dónde vas corazón?” y “El corazón abierto”).
Jorge Cabrera candidato al Premio MAX como mejor actor por este espectáculo.

ENCUETRO CON EL AUTOR TRAS LA FUNCIÓN DEL 1 DE OCTUBRE

Una producción de Patricia Peñalver y Carlos Limón

FUNCIONES: Sábados de octubre – 22:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Dos rivales tienen una inquietud: ganar a toda costa. Para ello, tendrán que superar sus límites, renunciar a todo e incluso llevar a cabo un pacto fáustico. La victoria se convierte en una obsesión, pero una vez que la consiguen, ¿qué queda?
Esta epopeya con tintes shakesperianos se sumerge en la ambición y desmesuras deportivas para tratar de responder a esta y otras preguntas.
¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar por conseguir el éxito? ¿Qué es la victoria para ti? ¿Serás capaz de vender tu alma por ganar una vez más? ¿Por una ovación más?
El campeón nunca es absoluto, es su maldición y su droga, su perdición y su reclamo. Muchos deportistas acaban con sus vidas frustradas después de sus carreras, con una frase en el corazón: Vencer sin peligro es un triunfo sin gloria. O, como diría Séneca: “Sine gloria vinci, qui sine periculo vincitur”.

Elenco: Carlos Limón, Patricia Peñalver, Guillermo García, Marius Praniauskas
Autoría: José Luis Dacal y Carlos Limón
Directora: Patricia Peñalver
Escenografía: Iara Cristina Lledó
Producción: María José Fernández López (La Mayko Producciones)
Diseño espacio sonoro: Manu Solís
Audiovisuales: Manu Muñoz
Animaciones: El mueso
Cartelería: Irune Bo
Fotografía: Maykiso

Una producción de Esto Podría Ser

¡NUEVAS FECHAS!

FUNCIONES: Domingos de octubre – 19:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Duración: 2 horas y 15 minutos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Elenco: Rodrigo Arahuetes, Gabriel Piñero, Sara Sierra

Autoría y dirección: Luis Sorolla

Ayudante de creación y dirección: Miguel Valentín

Espacio Escénico y Vestuario: Paola de Diego (AAPEE)

Sonido y Audiovisuales: Daniel Jumillas

Iluminación: Gabriel Piñero

Fotografía: Luz Soria

Producción: Esto Podría Ser

Asesoría: [ los números imaginarios ]

Prensa y comunicación: Amanda H. C. – Proyecto Duas

Esto Podría Ser es el nombre que contiene los diversos proyectos de creación, producción, escritura, docencia, traducción e investigación a los que se lanza Luis Sorolla. Esto Podría Ser está especializada en piezas de creación propia (Leviatán (como parte de la obra Lear (desaparecer)), Telémaco (un hijo de Grecia), ambas en colaboración con la compañía [ los números imaginarios ] y en la puesta en pie y traducción de textos de dramaturgia contemporánea extranjera (Un Roble de Tim Crouch y el taller de Análisis e Investigación de Dramaturgia Británica y Norteamericana Contemporánea Play& Breakfast.

Me llamo Luis Sorolla, nací en Madrid y aquí sigo. Soy creador teatral, actor, director, dramaturgo y productor, pero todas estas palabras me siguen sonando extrañas cuando las digo de mí.
Soy fundador de la productora Esto Podría Ser y miembro estable de la compañía [ los números imaginarios ] dirigida por Carlos Tuñón en la que trabajo como actor, dramaturgo y creador.
Como actor he trabajado en Un Roble, LEAR (desaparecer), Hijos de Grecia, Un Cuerpo En Algún Lugar, To No End, Yogur Piano, entre otros.
Como creador y como dramaturgo he escrito Telémaco: el que lucha a distancia. Un hijo de Grecia. (Teatro de la Abadía), Leviatán (Pieza anexa a LEAR (desaparecer), (Teatros del Canal, Teatro de la Abadía), Quijotes y Sanchos. Una travesía audioguiada. (Teatro de la Abadía) y En Otro Reino Extraño (Compañía Nacional de Teatro Clásico, Festival de Almagro 2020).
En 2018 fundé Esto Podría Ser, productora especializada en la puesta en pie y traducción de textos de dramaturgia contemporánea extranjera y en piezas de creación propia.
Cuando llegue el fin del mundo me gustaría que me pille cocinando el tiramisú de mi madre.

Una producción de NO MÁS DRAMA

FECHAS Y HORARIOS DE FUNCIONES: Jueves 7 y 14 de octubre – 20:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipada Entradium, 15€ taquilla en efectivo, 12€ grupos por correo elumbraldeprimavera@gmail.com

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

¿Cómo encontrar al Otro estando encerrado con uno mismo?

Aloscopio es una obra de autoficción en la que M., el autor, está encerrado durante la cuarentena de 2020 en la residencia de estudiantes en la que trabaja. Puesto que todos los estudiantes de la residencia se han vuelto a sus hogares, M. se queda completamente solo en el edificio y empieza a escribirse a sí mismo y a su experiencia, con la intención de trazar un encuentro con un lector que no existe, un público que no está, una compañía que sólo está al alcance a través de la tecnología. Como si de un astronauta se tratara, la escritura le permite observar su mundo a través de la ventana de su nave espacial. Los únicos ojos que lo observan son los suyos propios en el reflejo del cristal.

Elenco: Kevin Dornan

Autoría y dirección: Mattis G. de la Fuente

Ayudante de dirección: Cristina Marín Miró

Espacio escénico e iluminación: Javier del Barrio

Producción: No Más Drama

Fotografía: Paula Dornan

Diseño gráfico: Lara Lussheimer

La compañía No Más Drama lleva haciendo teatro desde 2015, año en el que estrenó su primera obra, Detrás del Sombrero, un proyecto original basado en Alicia en el País de las Maravillas que se llevó el premio a mejor obra en el certamen Cervantes-Chamartín y el premio a la mejor adaptación en los Premios Buero de teatro joven. Desde entonces, No Más Drama ha estrenado con éxito otros cuatro montajes en distintas salas alternativas de Madrid, siempre con el objetivo de investigar temas y formular preguntas que impliquen a las nuevas generaciones, tanto desde el contenido como desde lo formal.

Cía. Clamor

FUNCIONES: Viernes de Octubre – 19:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipada Entradium, 15€ taquilla en efectivo. 12€ grupos (a partir de seis) y estudiantes Carnet Joven, escribiendo al correo elumbraldeprimavera@gmail.com

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Strindberg escribió esta obra hace más de 100 años para hablar de un tema eterno como es la maternidad. En esta obra él planteaba los efectos de la mentira y la manipulación materna y cómo estos pueden afectar en los hijos. Así, quedaron concentradas en esta pieza las dos obsesiones del autor: su relación con su madre y el conflicto con lo femenino. Es curioso que ya Strindberg, en su momento, mostrara la realidad de una madre soltera.

Nuestra propuesta parte de dos puntos fundamentales: la maternidad y el conocimiento del entorno familiar. Para ello, la versión sucede en la contemporaneidad, rebajando su tono melodramático, y dando espacio, a través de distintas disertaciones, a las cuestiones y planteamientos de las cuatro mujeres no-madres y protagonistas de este trabajo. Mezclando las tres caras que puede tener una mujer: Mujer-madre, con toda la carga de la manipulación a través de la culpa hasta anular a los hijos; la mujer-amiga que siempre está compitiendo con otras mujeres; y finalmente, la mujer-víctima que es una proyección de su propia alma. Pero, ¿dónde queda la mujer a secas?

Frente al ambiente materno claustrofóbico que nos plantea la obra, respondemos con la realidad de la elección a la no maternidad y el derecho a elegir cómo enfrentarnos a la vida y al futuro.

Elenco: Alba Maquieira, Alejandra Valles, Pilar Vega Monge y Teresa Sojo.

Autoría: Strindberg, con adaptación de Julen G.

Dirección: Julen G.

Ayudante de dirección: Javier López

Escenografía y vestuario: Guiomar de León

Producción: Alejandra Valles y Alba Maquieira

Diseño gráfico: Alex Sasia

Fotografía: Jesús Campo

La compañía Clamor nace oficialmente en 2021 tras un largo proceso de investigación y creación colectiva surgida a raíz de las jornadas de creación multidisciplinar del Festival de Otoño de 2019.

“Clamor, conjunto de voces y gritos proferidos con vehemencia por una multitud, en especial para quejarse de algo, pedir algo o aclamar a alguien.”

Así es como nosotras entendemos el teatro y lo que tratamos de reflejar en nuestros montajes a través de temas como la maternidad, la infancia, los roles de poder y las dinámicas relacionales.

Con un carácter reflexivo y visceral pretendemos no sólo entretener sino abrir caminos a través de la fundación de un espacio de libertad que dé paso a la confusión y contradicción, valorando los distintos puntos de vista y sembrando el debate interno y colectivo en el espectador.

Una producción de Patricia Peñalver y Carlos Limón

FUNCIONES: Sábados de octubre – 22:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Dos rivales tienen una inquietud: ganar a toda costa. Para ello, tendrán que superar sus límites, renunciar a todo e incluso llevar a cabo un pacto fáustico. La victoria se convierte en una obsesión, pero una vez que la consiguen, ¿qué queda?
Esta epopeya con tintes shakesperianos se sumerge en la ambición y desmesuras deportivas para tratar de responder a esta y otras preguntas.
¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar por conseguir el éxito? ¿Qué es la victoria para ti? ¿Serás capaz de vender tu alma por ganar una vez más? ¿Por una ovación más?
El campeón nunca es absoluto, es su maldición y su droga, su perdición y su reclamo. Muchos deportistas acaban con sus vidas frustradas después de sus carreras, con una frase en el corazón: Vencer sin peligro es un triunfo sin gloria. O, como diría Séneca: “Sine gloria vinci, qui sine periculo vincitur”.

Elenco: Carlos Limón, Patricia Peñalver, Guillermo García, Marius Praniauskas
Autoría: José Luis Dacal y Carlos Limón
Directora: Patricia Peñalver
Escenografía: Iara Cristina Lledó
Producción: María José Fernández López (La Mayko Producciones)
Diseño espacio sonoro: Manu Solís
Audiovisuales: Manu Muñoz
Animaciones: El mueso
Cartelería: Irune Bo
Fotografía: Maykiso

FECHAS: Domingos 10, 17, 24 y 31 de Octubre – 13:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 10€ anticipada Entradium

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

El actor y director Adrián Navarro, acompañado por el músico Facundo Quiroga es la voz del bestseller “Rota, se camina igual” de Lorena Pronsky, que en la actualidad es uno de los ebooks más descargados.

Para esta puesta en escena se cuenta con la actriz Georgina Rey.

Se trata de un recital literario que navega entre los textos de sus dos libros y algunos otros inéditos de la autora.

Una mujer y un hombre, se piensan, se encuentran y desencuentran, se desnudan y abrazan a través de las palabras de Pronsky. Nos muestran las heridas del desamor, del abandono, de las pérdidas, de la soledad y de la desolación. Las heridas, como parte inevitable de la vida, son el camino para reflexionar acerca de cómo y de qué forma convivimos con los dolores que así como nos perforan el alma, nos abren a un nuevo destino. Este recital es un viaje hondo por las emociones de dos personas, que con palabras simples y bellas se debaten entre aferrarse al dolor que nos deja en pausa o asumir la realidad que nos toca vivir, entendiendo que Rota, se camina igual.

Elenco: Adrián Navarro, Georgina Rey

Autora: Lorena Pronsky

Dirección: Adrián Navarro

Músico en directo: Facundo Quiroga

Más artistas invitados

Lorena Pronsky nació en la ciudad de La Plata, Argentina, en 1976. Se graduó en la Universidad Católica de su ciudad en el año 2003 como Licenciada en Psicología.

Comenzó su actividad en un destacado Centro Hospitalario de su ciudad natal, con pacientes oncológicos. Posee una destacada experiencia en el área de la psicología clínica y en el tratamiento de adicciones.

Amante de la literatura, en el año 2017 comienza a escribir y compartir sus escritos en un blog al que llamó «Cúrame», captando inmediatamente la atención de cientos de miles de seguidores. Tal fue el impacto de su escritura, que al poco tiempo presenta este, su primer libro, Rota se camina igual, abriendo de esta manera, un camino indiscutido entre sus lectores, quienes convierten de forma inmediata su primera obra, en un best seller. Dicta conferencias en distintos puntos de su país y del resto del mundo.

Adrián Navarro. Actor argentino participó en más de 20 filmes (Las viudas de los jueves, Medianeras, El secreto, La vida de Lucia, entre otras).

En 2004 protagonizó Ay, Juancito, película basada en el hermano de Eva Perón, Juan Duarte comenzando una prolífica y premiada carrera en cine, teatro y tv.

Interpretó personajes fuertes y reconocidos en telenovelas y unitarios memorables como Montecristo, Vidas robadas o El marginal.

Grabó el ebook «Rota, se camina igual» de Lorena Pronsky para la firma Penguin.

Georgina Rey. Actriz y productora teatral argentina. Tiene una sólida carrera teatral por la que ha sido reconocida en sendas ocasiones con los Premios ACE Revelación femenina y Estrella de Mar mejor actriz dramática.

También incursiona en el mundo audiovisual. Está radicada en Madrid desde 2018 donde lleva estrenados varias obras (Mori(r)de amor, El coloquio de las perras, El gato que salta el gato que cae, entre otros). Protagonizó el corto Dulce Martina para el Festival Secuelas de la cuarentena. Participa del último videoclip de Natalia Lacunza.

Una producción de Esto Podría Ser

¡NUEVAS FECHAS!

FUNCIONES: Domingos de octubre – 19:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Duración: 2 horas y 15 minutos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Elenco: Rodrigo Arahuetes, Gabriel Piñero, Sara Sierra

Autoría y dirección: Luis Sorolla

Ayudante de creación y dirección: Miguel Valentín

Espacio Escénico y Vestuario: Paola de Diego (AAPEE)

Sonido y Audiovisuales: Daniel Jumillas

Iluminación: Gabriel Piñero

Fotografía: Luz Soria

Producción: Esto Podría Ser

Asesoría: [ los números imaginarios ]

Prensa y comunicación: Amanda H. C. – Proyecto Duas

Esto Podría Ser es el nombre que contiene los diversos proyectos de creación, producción, escritura, docencia, traducción e investigación a los que se lanza Luis Sorolla. Esto Podría Ser está especializada en piezas de creación propia (Leviatán (como parte de la obra Lear (desaparecer)), Telémaco (un hijo de Grecia), ambas en colaboración con la compañía [ los números imaginarios ] y en la puesta en pie y traducción de textos de dramaturgia contemporánea extranjera (Un Roble de Tim Crouch y el taller de Análisis e Investigación de Dramaturgia Británica y Norteamericana Contemporánea Play& Breakfast.

Me llamo Luis Sorolla, nací en Madrid y aquí sigo. Soy creador teatral, actor, director, dramaturgo y productor, pero todas estas palabras me siguen sonando extrañas cuando las digo de mí.
Soy fundador de la productora Esto Podría Ser y miembro estable de la compañía [ los números imaginarios ] dirigida por Carlos Tuñón en la que trabajo como actor, dramaturgo y creador.
Como actor he trabajado en Un Roble, LEAR (desaparecer), Hijos de Grecia, Un Cuerpo En Algún Lugar, To No End, Yogur Piano, entre otros.
Como creador y como dramaturgo he escrito Telémaco: el que lucha a distancia. Un hijo de Grecia. (Teatro de la Abadía), Leviatán (Pieza anexa a LEAR (desaparecer), (Teatros del Canal, Teatro de la Abadía), Quijotes y Sanchos. Una travesía audioguiada. (Teatro de la Abadía) y En Otro Reino Extraño (Compañía Nacional de Teatro Clásico, Festival de Almagro 2020).
En 2018 fundé Esto Podría Ser, productora especializada en la puesta en pie y traducción de textos de dramaturgia contemporánea extranjera y en piezas de creación propia.
Cuando llegue el fin del mundo me gustaría que me pille cocinando el tiramisú de mi madre.

Una producción de NO MÁS DRAMA

FECHAS Y HORARIOS DE FUNCIONES: Jueves 7 y 14 de octubre – 20:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipada Entradium, 15€ taquilla en efectivo, 12€ grupos por correo elumbraldeprimavera@gmail.com

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

¿Cómo encontrar al Otro estando encerrado con uno mismo?

Aloscopio es una obra de autoficción en la que M., el autor, está encerrado durante la cuarentena de 2020 en la residencia de estudiantes en la que trabaja. Puesto que todos los estudiantes de la residencia se han vuelto a sus hogares, M. se queda completamente solo en el edificio y empieza a escribirse a sí mismo y a su experiencia, con la intención de trazar un encuentro con un lector que no existe, un público que no está, una compañía que sólo está al alcance a través de la tecnología. Como si de un astronauta se tratara, la escritura le permite observar su mundo a través de la ventana de su nave espacial. Los únicos ojos que lo observan son los suyos propios en el reflejo del cristal.

Elenco: Kevin Dornan

Autoría y dirección: Mattis G. de la Fuente

Ayudante de dirección: Cristina Marín Miró

Espacio escénico e iluminación: Javier del Barrio

Producción: No Más Drama

Fotografía: Paula Dornan

Diseño gráfico: Lara Lussheimer

La compañía No Más Drama lleva haciendo teatro desde 2015, año en el que estrenó su primera obra, Detrás del Sombrero, un proyecto original basado en Alicia en el País de las Maravillas que se llevó el premio a mejor obra en el certamen Cervantes-Chamartín y el premio a la mejor adaptación en los Premios Buero de teatro joven. Desde entonces, No Más Drama ha estrenado con éxito otros cuatro montajes en distintas salas alternativas de Madrid, siempre con el objetivo de investigar temas y formular preguntas que impliquen a las nuevas generaciones, tanto desde el contenido como desde lo formal.

Cía. Clamor

FUNCIONES: Viernes de Octubre – 19:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipada Entradium, 15€ taquilla en efectivo. 12€ grupos (a partir de seis) y estudiantes Carnet Joven, escribiendo al correo elumbraldeprimavera@gmail.com

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Strindberg escribió esta obra hace más de 100 años para hablar de un tema eterno como es la maternidad. En esta obra él planteaba los efectos de la mentira y la manipulación materna y cómo estos pueden afectar en los hijos. Así, quedaron concentradas en esta pieza las dos obsesiones del autor: su relación con su madre y el conflicto con lo femenino. Es curioso que ya Strindberg, en su momento, mostrara la realidad de una madre soltera.

Nuestra propuesta parte de dos puntos fundamentales: la maternidad y el conocimiento del entorno familiar. Para ello, la versión sucede en la contemporaneidad, rebajando su tono melodramático, y dando espacio, a través de distintas disertaciones, a las cuestiones y planteamientos de las cuatro mujeres no-madres y protagonistas de este trabajo. Mezclando las tres caras que puede tener una mujer: Mujer-madre, con toda la carga de la manipulación a través de la culpa hasta anular a los hijos; la mujer-amiga que siempre está compitiendo con otras mujeres; y finalmente, la mujer-víctima que es una proyección de su propia alma. Pero, ¿dónde queda la mujer a secas?

Frente al ambiente materno claustrofóbico que nos plantea la obra, respondemos con la realidad de la elección a la no maternidad y el derecho a elegir cómo enfrentarnos a la vida y al futuro.

Elenco: Alba Maquieira, Alejandra Valles, Pilar Vega Monge y Teresa Sojo.

Autoría: Strindberg, con adaptación de Julen G.

Dirección: Julen G.

Ayudante de dirección: Javier López

Escenografía y vestuario: Guiomar de León

Producción: Alejandra Valles y Alba Maquieira

Diseño gráfico: Alex Sasia

Fotografía: Jesús Campo

La compañía Clamor nace oficialmente en 2021 tras un largo proceso de investigación y creación colectiva surgida a raíz de las jornadas de creación multidisciplinar del Festival de Otoño de 2019.

“Clamor, conjunto de voces y gritos proferidos con vehemencia por una multitud, en especial para quejarse de algo, pedir algo o aclamar a alguien.”

Así es como nosotras entendemos el teatro y lo que tratamos de reflejar en nuestros montajes a través de temas como la maternidad, la infancia, los roles de poder y las dinámicas relacionales.

Con un carácter reflexivo y visceral pretendemos no sólo entretener sino abrir caminos a través de la fundación de un espacio de libertad que dé paso a la confusión y contradicción, valorando los distintos puntos de vista y sembrando el debate interno y colectivo en el espectador.

Una producción de Patricia Peñalver y Carlos Limón

FUNCIONES: Sábados de octubre – 22:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Dos rivales tienen una inquietud: ganar a toda costa. Para ello, tendrán que superar sus límites, renunciar a todo e incluso llevar a cabo un pacto fáustico. La victoria se convierte en una obsesión, pero una vez que la consiguen, ¿qué queda?
Esta epopeya con tintes shakesperianos se sumerge en la ambición y desmesuras deportivas para tratar de responder a esta y otras preguntas.
¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar por conseguir el éxito? ¿Qué es la victoria para ti? ¿Serás capaz de vender tu alma por ganar una vez más? ¿Por una ovación más?
El campeón nunca es absoluto, es su maldición y su droga, su perdición y su reclamo. Muchos deportistas acaban con sus vidas frustradas después de sus carreras, con una frase en el corazón: Vencer sin peligro es un triunfo sin gloria. O, como diría Séneca: “Sine gloria vinci, qui sine periculo vincitur”.

Elenco: Carlos Limón, Patricia Peñalver, Guillermo García, Marius Praniauskas
Autoría: José Luis Dacal y Carlos Limón
Directora: Patricia Peñalver
Escenografía: Iara Cristina Lledó
Producción: María José Fernández López (La Mayko Producciones)
Diseño espacio sonoro: Manu Solís
Audiovisuales: Manu Muñoz
Animaciones: El mueso
Cartelería: Irune Bo
Fotografía: Maykiso

FECHAS: Domingos 10, 17, 24 y 31 de Octubre – 13:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 10€ anticipada Entradium

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

El actor y director Adrián Navarro, acompañado por el músico Facundo Quiroga es la voz del bestseller “Rota, se camina igual” de Lorena Pronsky, que en la actualidad es uno de los ebooks más descargados.

Para esta puesta en escena se cuenta con la actriz Georgina Rey.

Se trata de un recital literario que navega entre los textos de sus dos libros y algunos otros inéditos de la autora.

Una mujer y un hombre, se piensan, se encuentran y desencuentran, se desnudan y abrazan a través de las palabras de Pronsky. Nos muestran las heridas del desamor, del abandono, de las pérdidas, de la soledad y de la desolación. Las heridas, como parte inevitable de la vida, son el camino para reflexionar acerca de cómo y de qué forma convivimos con los dolores que así como nos perforan el alma, nos abren a un nuevo destino. Este recital es un viaje hondo por las emociones de dos personas, que con palabras simples y bellas se debaten entre aferrarse al dolor que nos deja en pausa o asumir la realidad que nos toca vivir, entendiendo que Rota, se camina igual.

Elenco: Adrián Navarro, Georgina Rey

Autora: Lorena Pronsky

Dirección: Adrián Navarro

Músico en directo: Facundo Quiroga

Más artistas invitados

Lorena Pronsky nació en la ciudad de La Plata, Argentina, en 1976. Se graduó en la Universidad Católica de su ciudad en el año 2003 como Licenciada en Psicología.

Comenzó su actividad en un destacado Centro Hospitalario de su ciudad natal, con pacientes oncológicos. Posee una destacada experiencia en el área de la psicología clínica y en el tratamiento de adicciones.

Amante de la literatura, en el año 2017 comienza a escribir y compartir sus escritos en un blog al que llamó «Cúrame», captando inmediatamente la atención de cientos de miles de seguidores. Tal fue el impacto de su escritura, que al poco tiempo presenta este, su primer libro, Rota se camina igual, abriendo de esta manera, un camino indiscutido entre sus lectores, quienes convierten de forma inmediata su primera obra, en un best seller. Dicta conferencias en distintos puntos de su país y del resto del mundo.

Adrián Navarro. Actor argentino participó en más de 20 filmes (Las viudas de los jueves, Medianeras, El secreto, La vida de Lucia, entre otras).

En 2004 protagonizó Ay, Juancito, película basada en el hermano de Eva Perón, Juan Duarte comenzando una prolífica y premiada carrera en cine, teatro y tv.

Interpretó personajes fuertes y reconocidos en telenovelas y unitarios memorables como Montecristo, Vidas robadas o El marginal.

Grabó el ebook «Rota, se camina igual» de Lorena Pronsky para la firma Penguin.

Georgina Rey. Actriz y productora teatral argentina. Tiene una sólida carrera teatral por la que ha sido reconocida en sendas ocasiones con los Premios ACE Revelación femenina y Estrella de Mar mejor actriz dramática.

También incursiona en el mundo audiovisual. Está radicada en Madrid desde 2018 donde lleva estrenados varias obras (Mori(r)de amor, El coloquio de las perras, El gato que salta el gato que cae, entre otros). Protagonizó el corto Dulce Martina para el Festival Secuelas de la cuarentena. Participa del último videoclip de Natalia Lacunza.

Una producción de Esto Podría Ser

¡NUEVAS FECHAS!

FUNCIONES: Domingos de octubre – 19:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Duración: 2 horas y 15 minutos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Elenco: Rodrigo Arahuetes, Gabriel Piñero, Sara Sierra

Autoría y dirección: Luis Sorolla

Ayudante de creación y dirección: Miguel Valentín

Espacio Escénico y Vestuario: Paola de Diego (AAPEE)

Sonido y Audiovisuales: Daniel Jumillas

Iluminación: Gabriel Piñero

Fotografía: Luz Soria

Producción: Esto Podría Ser

Asesoría: [ los números imaginarios ]

Prensa y comunicación: Amanda H. C. – Proyecto Duas

Esto Podría Ser es el nombre que contiene los diversos proyectos de creación, producción, escritura, docencia, traducción e investigación a los que se lanza Luis Sorolla. Esto Podría Ser está especializada en piezas de creación propia (Leviatán (como parte de la obra Lear (desaparecer)), Telémaco (un hijo de Grecia), ambas en colaboración con la compañía [ los números imaginarios ] y en la puesta en pie y traducción de textos de dramaturgia contemporánea extranjera (Un Roble de Tim Crouch y el taller de Análisis e Investigación de Dramaturgia Británica y Norteamericana Contemporánea Play& Breakfast.

Me llamo Luis Sorolla, nací en Madrid y aquí sigo. Soy creador teatral, actor, director, dramaturgo y productor, pero todas estas palabras me siguen sonando extrañas cuando las digo de mí.
Soy fundador de la productora Esto Podría Ser y miembro estable de la compañía [ los números imaginarios ] dirigida por Carlos Tuñón en la que trabajo como actor, dramaturgo y creador.
Como actor he trabajado en Un Roble, LEAR (desaparecer), Hijos de Grecia, Un Cuerpo En Algún Lugar, To No End, Yogur Piano, entre otros.
Como creador y como dramaturgo he escrito Telémaco: el que lucha a distancia. Un hijo de Grecia. (Teatro de la Abadía), Leviatán (Pieza anexa a LEAR (desaparecer), (Teatros del Canal, Teatro de la Abadía), Quijotes y Sanchos. Una travesía audioguiada. (Teatro de la Abadía) y En Otro Reino Extraño (Compañía Nacional de Teatro Clásico, Festival de Almagro 2020).
En 2018 fundé Esto Podría Ser, productora especializada en la puesta en pie y traducción de textos de dramaturgia contemporánea extranjera y en piezas de creación propia.
Cuando llegue el fin del mundo me gustaría que me pille cocinando el tiramisú de mi madre.

Cía. Malditas Lagartijas

FUNCIONES: Jueves 21 y 28 de Octubre – 20:30 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipada Entradium, 15€ taquilla en efectivo. 12€ grupos (a partir de seis) y estudiantes Carnet Joven, escribiendo al correo elumbraldeprimavera@gmail.com

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

No hay jazmines sin tomates, tiene como referencia la madrileña Verbena de San Antonio de la Florida, donde todas las mujeres casaderas acuden a la ermita y arrojan trece alfileres a la pila bautismal, número relacionado con el casamiento, las arras y el día de celebración. Las manos se introducen en el agua de la fuente y la cantidad de alfileres que quedan clavados en la palma corresponde a “los novios o pretendientes que esa muchacha tendrá el próximo año”. Tras sus orígenes en el s. XIX, esta práctica se ha modificado, como todas aquellas tradiciones que pretenden perdurar en el tiempo, sin embargo no todo lo que nos gustaría.

No hay jazmines sin tomates busca cuestionar los roles heteropatriarcales que existieron y existen en las fiestas populares y hacer una revisión del sistema estructural que los sostiene y potencia.

Dramaturgia y dirección: Beatriz del Monte

Coreografía: Beatriz del Monte con la colaboración de les intérpretes

Asistencia de dramaturgia: Marina Wainer

Interpretación: Teresa Garzón, Marcos Martincano, Beatriz del Monte

Composición, adaptación musical e interpretación: Sil von Nadie, Rodrigo Nosequé

Dirección creativa: Cristina Meca

Dirección fotografía: Guillermo P. Jiménez

Jefa de producción: Nuria Gil

Vestuario: María Rosa Fernández, Ángeles Ortiz, Beatriz del Monte

Diseño iluminación: Nuria Gil y Guillermo P. Jiménez

Apoyos: Larumbe Danza, Coslada Cultura, Igualdad Coslada, Ayuntamiento de Coslada, Teatro La Jaramilla, José Luis del Monte (MG)

La Cía. Malditas Lagartijas, dirigida por Beatriz del Monte, es una compañía emergente autogestionada que desarrolla su trabajo en base a la investigación de la danza y el teatro-físico, con una inquietud social y política en torno al pensamiento crítico, el transfeminismo, la memoria histórica y el arte como medio de transformación social.

Comienza su recorrido en 2014 con el solo Malditas Lagartijas que años más tarde dará nombre a la compañía, y ha continuado con obras como: Lengua de gato, no es chocolate, Entraña Limonera, Un huevo, cuatro sardinas, GATX PACX, Traigo un cerdo en mi maleta y No hay jazmines sin tomates, siendo representadas en diversas provincias del territorio nacional (Madrid, Galicia, Cantabria, Catalunya, Asturies, Castilla y León, Castilla La-Mancha)

Ha participado en Ciclo Ártico 2014, Festival X y XI Gatadans, II Cartografía en Movimiento, II y III Reunión en Danza (R.E.D), Festival Social TuDanzas 2017 y 2019, Actúa Madrid 2018, Ciclo de Espacio DT, Brotes 2019, Danzando en el Río 2019, Híbridos 2019, Ni una menos TNT 2020-2021, Lugo en Danza 2020, Brotes 2021, La Reja 2021, Bajo Teja 2021, Artealdea 2021, Pirineos en Danza 2021.

Sus inquietudes artísticas viajan más allá de las artes escénicas, por lo que sus procesos creativos abogan por la investigación con el objetivo de encontrar un lenguaje propio dentro de la escena. Además de su labor dentro de las artes escénicas, la acción social y pedagógica es un pilar fundamental para el desarrollo de la compañía. A través del Taller de Investigación Mueve tu gatx, trata de generar un espacio seguro de búsqueda que actúe como motor creativo y, a su vez, sea un eslabón de transformación social que acoja a todas las personas y que permita un espacio de aprendizaje sano, creativo y consciente.

Cía. Clamor

FUNCIONES: Viernes de Octubre – 19:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipada Entradium, 15€ taquilla en efectivo. 12€ grupos (a partir de seis) y estudiantes Carnet Joven, escribiendo al correo elumbraldeprimavera@gmail.com

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Strindberg escribió esta obra hace más de 100 años para hablar de un tema eterno como es la maternidad. En esta obra él planteaba los efectos de la mentira y la manipulación materna y cómo estos pueden afectar en los hijos. Así, quedaron concentradas en esta pieza las dos obsesiones del autor: su relación con su madre y el conflicto con lo femenino. Es curioso que ya Strindberg, en su momento, mostrara la realidad de una madre soltera.

Nuestra propuesta parte de dos puntos fundamentales: la maternidad y el conocimiento del entorno familiar. Para ello, la versión sucede en la contemporaneidad, rebajando su tono melodramático, y dando espacio, a través de distintas disertaciones, a las cuestiones y planteamientos de las cuatro mujeres no-madres y protagonistas de este trabajo. Mezclando las tres caras que puede tener una mujer: Mujer-madre, con toda la carga de la manipulación a través de la culpa hasta anular a los hijos; la mujer-amiga que siempre está compitiendo con otras mujeres; y finalmente, la mujer-víctima que es una proyección de su propia alma. Pero, ¿dónde queda la mujer a secas?

Frente al ambiente materno claustrofóbico que nos plantea la obra, respondemos con la realidad de la elección a la no maternidad y el derecho a elegir cómo enfrentarnos a la vida y al futuro.

Elenco: Alba Maquieira, Alejandra Valles, Pilar Vega Monge y Teresa Sojo.

Autoría: Strindberg, con adaptación de Julen G.

Dirección: Julen G.

Ayudante de dirección: Javier López

Escenografía y vestuario: Guiomar de León

Producción: Alejandra Valles y Alba Maquieira

Diseño gráfico: Alex Sasia

Fotografía: Jesús Campo

La compañía Clamor nace oficialmente en 2021 tras un largo proceso de investigación y creación colectiva surgida a raíz de las jornadas de creación multidisciplinar del Festival de Otoño de 2019.

“Clamor, conjunto de voces y gritos proferidos con vehemencia por una multitud, en especial para quejarse de algo, pedir algo o aclamar a alguien.”

Así es como nosotras entendemos el teatro y lo que tratamos de reflejar en nuestros montajes a través de temas como la maternidad, la infancia, los roles de poder y las dinámicas relacionales.

Con un carácter reflexivo y visceral pretendemos no sólo entretener sino abrir caminos a través de la fundación de un espacio de libertad que dé paso a la confusión y contradicción, valorando los distintos puntos de vista y sembrando el debate interno y colectivo en el espectador.

Una producción de Patricia Peñalver y Carlos Limón

FUNCIONES: Sábados de octubre – 22:00 hrs.

PRECIO ENTRADAS: 14€ anticipadas – Entradium, 15€ taquilla – efectivo, 12€ grupos

Apertura de puertas 30 minutos antes del inicio para entrada escalonada de público. Una vez comenzada la función, no se podrá acceder a la sala.

Dos rivales tienen una inquietud: ganar a toda costa. Para ello, tendrán que superar sus límites, renunciar a todo e incluso llevar a cabo un pacto fáustico. La victoria se convierte en una obsesión, pero una vez que la consiguen, ¿qué queda?
Esta epopeya con tintes shakesperianos se sumerge en la ambición y desmesuras deportivas para tratar de responder a esta y otras preguntas.
¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar por conseguir el éxito? ¿Qué es la victoria para ti? ¿Serás capaz de vender tu alma por ganar una vez más? ¿Por una ovación más?
El campeón nunca es absoluto, es su maldición y su droga, su perdición y su reclamo. Muchos deportistas acaban con sus vidas frustradas después de sus carreras, con una frase en el corazón: Vencer sin peligro es un triunfo sin gloria. O, como diría Séneca: “Sine gloria vinci, qui sine periculo vincitur”.

Elenco: Carlos Limón, Patricia Peñalver, Guillermo García, Marius Praniauskas
Autoría: José Luis Dacal y Carlos Limón
Directora: Patricia Peñalver
Escenografía: Iara Cristina Lledó
Producción: María José Fernández López (La Mayko Producciones)
Diseño espacio sonoro: Manu Solís
Audiovisuales: Manu Muñoz
Animaciones: El mueso
Cartelería: Irune Bo
Fotografía: Maykiso